Lehraufträge & Workshops

Die unten genannten Lehrangebote durch externe Referent*innen werden noch durch Professionalisierungsseminare ergänzt, die ebenfalls von Lehrbeauftragten übernommen werden.

Kurs mit Gin Bahc

Dienstag 11:00–14:00 Uhr
Seminarraum / Verwaltungsgebäude
Beginn: 14. Oktober 2025

Der Kurs richtet sich an Studierende aller Fachrichtungen und verbindet klassische Übungen des Aktzeichnens mit zeitgenössischen Fragestellungen. Ausgangspunkt ist die Zeichnung als Werkzeug für Beobachtung, Reflexion und Transformation. Der nackte Körper steht im Mittelpunkt – radikal in seiner Leibhaftigkeit und Entblößung als Gegenpol zur digitalen Abstraktion.

Der Körper wird dabei nicht nur als formales Studienobjekt verstanden, sondern als soziales, historisches und imaginiertes System. Die Studierenden erproben verschiedene zeichnerische Methoden, von Kompositionsübungen bis zu experimentellen Ansätzen, die in Performance oder andere Medien übergehen können.
Ziel ist es, die Aktzeichnung sowohl als technische Disziplin wie auch als künstlerisches Forschungsfeld zu begreifen, in dem Fragen nach Macht, Präsenz und Resonanz sichtbar und erfahrbar werden. Bitte bringen Sie Zeichenmaterial und ausreichend Papier mit.

Gin Bahc ist Konzeptkünstlerin mit Schwerpunkt auf Zeichnung, Performance und Installation. Ihre Praxis bewegt sich im Spannungsfeld von Spontaneität, Körperlichkeit und Resonanz. Sie erhielt u. a. Arbeitsstipendien der Stiftung Kunstfonds sowie Künstlerresidenzen im Künstlerhaus Schloss Balmoral und an der Cité Internationale des Arts in Paris. Lehrtätigkeiten führte sie an der Kunsthochschule Kassel, der Hochschule Pforzheim, der HfG Karlsruhe, der FHNW Basel durch, mit Fokus auf Zeichnung und interdisziplinäre Ansätze zwischen Kunst, Design und Architektur.

Workshop mit Juliàn Hepner, Alexander Theis und Prof. Marcel van Eeden
Werkstatt Digitale Medien / Werkstatt für Fotografie

Studierende, die an diesem Workshop teilnehmen möchten, bewerben sich dafür.

Anfang / Mitte Oktober 2025 werden die Teilnehmenden kontaktiert und die Termine vereinbart.

In der Akademie besteht im Wintersemester 2025/26 die Möglichkeit, sich unter der Leitung von Julián Hepner, Alexander Theis und Prof. Marcel van Eeden intensiv mit dem Medium Fotobuch auseinanderzusetzen. Das Fotobuch ist weit mehr als eine bloße Sammlung von Bildern – es ist ein eigenständiges, bedeutendes Ausdrucksformat innerhalb der Fotografie. Als mobiler „Ausstellungsraum“ auf Papier eröffnet es vielfältige Möglichkeiten, Geschichten zu erzählen, Perspektiven zu vermitteln und Ereignisse zu dokumentieren.

Im Rahmen des Kurses werden wir uns sowohl mit ikonischen Werken – etwa von Nan Goldin, Michael Schmidt, Sophie Calle, Martin Parr oder Robert Frank – als auch mit aktuellen Entwicklungen in dem Gebiet beschäftigen. Ziel ist es, am Ende des Projekts ein eigenes Fotobuch zu konzipieren und zu realisieren. Erwartet werden Engagement, Neugier und die Bereitschaft zur intensiven Auseinandersetzung.

Künstlerbücher als kaleidoskopische Werkform, Instrument künstlerischer Forschung und Methode der praktischen Kunstvermittlung

Seminar bei Indra Schelble  

Einführungstreffen: 14.10.2025, 9:30 Uhr Treffpunkt: Bibliothek 

Verpflichtendes Lehrangebot für IMG-Studierende, offen für interessierte Studierende der Freien Kunst.

Für das Einführungstreffen bitte  per Mail an space(ät)indra-s.net anmelden, im Betreff bitte »Künstlerbücher IMG« angeben.

Dieses Lehrangebot richtet sich insbesondere an Lehramtsstudierende der Akademie der Bildenden Künste Karlsruhe und ist offen für alle interessierten Studierenden der Freien Kunst. Ein Ziel der Veranstaltung ist, anhand von Bildfolgen bzw. Bildserien die Strukturierung künstlerischer Arbeitsprozesse zu reflektieren sowie mittels künstlerischer Mikrostudien den eigenen Arbeitsansatz systematisch zu untersuchen. Die Verfahren sind sowohl in Bezug auf künstlerische Arbeitsprozesse als auch als didaktische Werkzeuge in der Kunstvermittlung anwendbar.

In der Einführungsveranstaltung (14.10., 9:30 uhr, Bibliothek) wird das Methodenfeld „Künstlerbücher“ umrissen – dieser Termin sollte bei Interesse am Workshop unbedingt wahrgenommen werden.

Die Folgetermine begleiten die individuellen Projektideen in Form von Gruppen- und Einzelbesprechungen. Dabei werden die künstlerischen Mikrostudien erprobt und die Entwicklung der Arbeiten reflektiert. Die Besprechungstermine werden mit den Teilnehmer*innen nach der Einführungsveranstaltung vereinbart. Am Ende der Lehrveranstaltung findet eine Präsentation der entstandenen Künstlerbücher/Buchobjekte im Rahmen eines Prüfungsgesprächs gemeinsam mit Prof. Axel Heil statt.

Jan Fusek & Dr. Robert Sollich

wissenschaftliche Begleitung: Prof. Dr. Christina Griebel &  Prof. Dr. Fabian Goppelsröder

16. /17.1.2025
Dienstatelier Prof. Goppelsröder, Vordergebäude

Das Seminar dient zur Entwicklung und Umsetzung eines Akademiepodcasts. Die Teilnehmer*innen lernen das Medium Podcast sowie die aktuelle, Podcastlandschaft‘ kennen und verstehen und entwickeln auf dieser Basis einen Akademiepodcast, der Instituts- du Personengeschichte der Kunstakademie Karlsruhe auf neue Weise vermittelt.

Seit dem Sommersemester 2024 läuft das Projekt eines „Akademiepodcasts“. Wurden zunächst noch grundsätzlich die Fragen diskutiert, welche Bausteine und formale Elemente ein Audio-Podcast nutzen kann, wie sich durch den Podcast einer Institution neben der Kommunikation nach außen auch Wirkung nach innen entfalten lässt und auf welche Weise sich der Podcast der Akademie Karlsruhe von anderen erfolgreichen Podcasts abheben und unterscheiden soll, so wird nun die schrittweise Umsetzung einzelner Folgen und Miniserien im Zentrum stehen. Begleitet wird das Unterfangen von den beiden erfahrenen Podcastern, Wissenschaftskommunikatoren und Radiojournalisten Jan Fusek und Robert Sollich, die im Juni nochmals nach Karlsruhe kommen.

Auf lange Sicht soll sich das Projekt als Institution der Akademie etablieren. Es ist zeitlich zunächst unbeschränkt und offen für alle, die bereit sind, sich zu engagieren. Interessierte bitte per Email bei Tutor Izak Hochuli melden. 

 Improvisation und Choreographie mit Elena Zipser

16. -20.2. 2026, ganztägig 
Seminarraum R305 / Villa Schönleber

Performative Praxis für Solo, Duo und Gruppe.

Das Seminar bietet Grundlagen/ Einblicke in Choreografie, Performative Praxis und Körperarbeit: Aufwärmen, Mixed Styles und Improvisationsstrategien, Entwickelung einer Performance/ Choreografie.

Wir bewegen uns viel - jede:r ist willkommen - ohne "sportlich" zu sein, ohne "Vorerfahrung".

Beim Entwickeln von Performances (Solo/ Duo/ Gruppe) im Laufe der Woche bewegen wir Fragen zu Rollen, Konstellationen, Nähe und Distanz, Formen der Liebe ( Liebe in Familie, Freundschaft, Selbst -, körperliche -, Hass -, universelle Liebe).

Das Seminar ist körperlich/ körperorientiert - Bewegungskleidung mitbringen.

Teilnahme an allen Terminen ist erforderlich.

Every body welcome! Jeder Körper ist willkommen!

Anmeldung bei Ilona Günthner.

with Guillaume Cailleau & Duncan Evennou

10.-14.11.2025
15. - 19.12.2025 (online)
19. -23.1. 2026

jeweils ab 10 Uhr, in the  studio of Prof. Ulla von Brandenburg.

Open for beginners an advanced participants

Expending on their past workshops on analog film practice and performative approaches,  Guillaume Cailleau and Duncan Evennou propose this semester an interdisciplinary workshop around earthly matter(s). While we will pay particular attention to how we collaborate and to how our artistic gestures integrate an ethics of observation, attention, and care, this edition takes terrestrial matter as its starting point: soils, dust, strata, organisms, minerals, and textures. We will explore how these materials tell stories about the Earth, and how we can render visible processes and temporalities in our artistic praxis, from slow geological rhythms and microbial transformations to human-induced alterations and micro-events.

The aim is to produce a series of short experimental films grounded in a specific site or soil-related theme, accompanied by spoken or performed voices. The workshop welcomes participants curious of experimental approaches to analog film, writing, voice work, and performative exploration.

The first immersive week will navigate between literary, scientific, and philosophical readings on soils and practical work with black-and-white 16 mm film. We will explore the specificities of this analog medium, its technical possibilities, and its constraints, in particular the limited length of the film roll, which requires reduction, condensation, and precision. Collective walks in the surrounding environment will enable on-site observation, sampling (dust, particles, textures), and the recording of traces. Participants will keep an enquiry notebook, combining notes, diagrams, sketches, and early filmic ideas. We will watch a curated program of experimental films focusing on materiality and gesture.We will also construct simple DIY tools  to propose alternative to the dictat of the camera-machine.  Participants will then produce a short piece on 16 mm negative stock, experimenting with manual manipulation and physical alteration of the film surface.

Throughout the week, individual and collective feedback sessions will help refine each project.

Participants will then have a month time to develop their own project based on the first week result. During this period, each participant will refine the structure and density of their film: image selection, rhythm, texture, and relation to site. Alongside this visual work, we will introduce a voice-based writing practice. Participants will write short micro-narratives, fragments, or descriptive passages intended to accompany their film. We will explore vocal performance: microphone work, projection, phrasing, breath, presence. Rehearsal sessions will be offered, together with online feedback meetings to support individual development.

In the final week, we will review all collected materials: observations, vignettes, film sketches, and performative fragments. Together, we will assemble a collective portrait of a place rooted in observation, polyphony, and situated practice. The workshop will culminate in a public presentation of the works developed during the workshop.

Anmeldung über Frau Günthner

mit Daniel Laufer

19. Januar 2026 / 15:00-20:00 Uhr, Verwaltung, 2.OG, R 307
20. Januar 2026 / 17:00-20:00 Uhr Verwaltung, 2. OG, R 307
21. Januar 2026 / 11.00-15:00 Uhr Verwaltung, 2. OG, R 307

2. Februar 2026 / 15:00-20:00 Uhr Verwaltung, 2.OG, R 307
3. Februar 2026 / 17:00-20:00 Uhr Verwaltung, 2.OG, R 307
4. Februar 2026 / 11:00-15:00 Uhr Verwaltung, 2.OG, R 307 

Das Blockseminar untersucht die künstlerische Praxis des Gehens in den performativen Künsten als ästhetische, soziale und politische Handlung. Es integriert die theoretischen Impulse der Situationisten, die urbane Räume und Psychogeographie kritisch hinterfragen, und die meditativen Performanceansätze Lucius Burkhards. Von der Land Art über Performance Art bis zur zeitgenössischen Choreographie wird das Gehen als Medium reflektiert.  Im Spannungsfeld zwischen Bewegung, Raum und Zeit eröffnet sich ein Diskurs, der Körper, Landschaft und Gesellschaft miteinander verknüpft.

Anmeldung bei Ilona Günthner

mit Jungin Hwang
Die genauen Termine - siehe unten

Im Rahmen des Workshops „Wort als Farbe / Bild als Klang“ wird durch Improvisation ein performativer Ansatz erarbeitet. Ziel des Workshops ist es, verschiedene Perspektiven der Performancekunst zu verstehen und zu erleben, wie Situationen auf ausdrucksstarke und dramatische Weise gestaltet werden können.

Nach Abschluss des Workshops präsentieren die Studierenden gemeinsam eine etwa 30-minütige Performance in Konzertform. Dabei haben sie die Möglichkeit, aktiv an der Aufführung teilzunehmen und zu erfahren, wie sich Bewegung, Stimme, Sprache und Gesang als Ausdrucksmittel einsetzen lassen. Das Thema der Performance lautet „Traum“. In einer ca. 30-minütigen Darstellung wird der Zustand vom Einschlafen bis kurz vor dem Erwachen inszeniert. Die Welt des Unbewussten wird dabei durch Farben und Klänge zum Ausdruck gebracht.

Termine
31.10.25, 10:00 -16:00 Uhr,  Vortragssaal
Kennenlernen, Einführung in der Workshop, Auswahl der Instrumentalistinnen und Sängerinnen, kurze Performance Demonstration.
07.11.25, 10:00-17:00 Uhr, Vortragssaal
Einführung in performative Ausdrucksformen, Improvisation: Narration und Monolog im Performativen Kontext, Stimmausdruck und Klanggestaltung in Verbindung mit Instrumental musik.
08.11.25, 10:00-17:00 Uhr,  Vortragssaal
Eigenbau von Instrumenten, eigenes Kostümdesign.
15.11.25, 10:00-18:00 Uhr, Vortragssaal
Experimentieren mit rhythmischen Klangkombinationen zwischen selbstgebauten Instrumenten und Gesang, Erarbeitung des Bühnenkonzepts für das Konzert.
17.11.25, 14:00-20:00 Uhr Leni Hoffmann Klasse und im Vortragssaal
Erarbeitung des Bühnenkonzepts für das Konzert.
25.11.25, 12:00 -18:00 Uhr. Lichthof
Erarbeitung des Bühnenkonzepts für das Konzert, Probe

Das Konzert findet am 25.11.2025, 18:00 Uhr im Lichthof statt

Anmeldung bei Ilona Günthner

mit Duncan Evennou

3.11.2025
5.1.-9.1.2026
2.2.-6.2.2026

Die genauen Uhrzeiten werden noch bekannt gegeben.

This workshop at the Karlsruhe Academy of Fine Arts explores the intersections of art, geoscience, and performance through the project The Petrified Museum. Taking soils as a starting point : dynamic spaces where minerals, living organisms, and technical processes meet. We will experiment with new ways of representing Earth's stories. We will engage with contemporary approaches to Earth system thinking: the Anthropocene, the Critical Zone, Gaia dynamics. These perspectives invite us to consider the Earth not as a static backdrop or a simple geological archive, but as a complex field of ongoing interactions where long timescales and rapid transformations coexist.

Through lectures, artistic experiments, and performative exercises, participants will be invited to develop sensitive and embodied forms to explore these temporalities. How can we perform a soil? How can we embody geological narratives that unfold far beyond human timescales? How can we make visible the invisible processes happening beneath our feet?

The workshop will offer practical tools: field sampling, soil reading protocols, experimental cartographies, geological fictions, and performative practices. It will function as a lab where scientific knowledge and artistic practice meet, allowing participants to invent new ways of relating to Earth in the contemporary moment. The workshop will also offer an opportunity to experiment with a new ecology of practices, where artistic, scientific, and embodied approaches can co-evolve. Keywords:Art-Science Collaboration, Geology, Anthropocene, Critical Zone, Gaia Theory, Performance Art, Embodied Practice, Temporalities, Earth Systems, Field Sampling, Experimental Cartography, Geological Narratives, Interdisciplinary Workshop, Ecology of Practices, Speculative Art.

Anmeldung bei Frau Günthner

Praxisworkshop mit Mona Kuschel

Prozessualer Verlauf. Genaue Termine siehe unten.

Ziel der Veranstaltung ist die Produktion eines eigenen Raumobjekts. Drei mal zwei Tage wird gemeinsam im Nähraum gearbeitet.

Die Entwicklung der Arbeit bedeutet, das künstlerische Experiment und den technischen Bedarf zusammenzubringen. Danach folgen ein Arbeitsmodell, die Materialbeschaffung und schließlich die Produktion. Bedacht werden auch Fragen der Lagerung und der Verpackung, bevor die letzten Schritte der Fertigung erfolgen. Am Ende steht die Installation der Objekte.

Ablauf:

Tag 1+2, Di, 28. + Mi, 29.10.2025

Entwicklung

Tag 3+4, Di, 11. + Mi, 12.11.25
Produktion

Tag 5+6, Di, 25. + Mi, 26.11.2025
Produktion und Installation

Maximal 6 Teilnehmende, diese müssen bereits eine konkrete Idee haben. Anmeldung bei Ilona Günthner

Voraussetzung: Grundkenntnisse an einer Industriemaschine, selbstständiges Nähen.

Über Mona Kuschel 

Sound, Rhythm, Rave and the Ontology of the Sonic Event (in englischer Sprache)

mit Robert Logan

12. Januar – 15. Januar, jeweils 10:00–17:00 Uhr
Scheibenhardt, Klasse Buch,Gemeinschaftsraum
Keine Vorkenntnisse erforderlich

What happens when we encounter sound that refuses to mean anything? A sustained drone that dissolves linguistic thought, feedback that creates its own temporal reality, field recordings that resist narrative interpretation, or a breakbeat that organises bodies into collective motion before any semantic interpretation can occur? This seminar investigates the complex and often paradoxical relationship between sound and meaning, exploring moments when music and sound exceed - or actively resist - their function as language or representation, while remaining open to the possibility of new or emergent forms of meaning and embodied experience. 

We approach sound as a distinct ontological phenomenon - a “sonic event” that inhabits its own temporal and spatial reality, one that can elude traditional frameworks of semiotics and linguistic mediation, yet also open pathways to aesthetic, experiential, and bodily significance. Drawing on contemporary sound theory, materialist philosophy, the anthropology of rhythm, and the history of rave, we explore how certain sonic practices reveal sound’s capacity to operate as intensive, vibrational force rather than solely symbolic communication. The invention of the tape recorder fundamentally altered this landscape, offering for the first time direct access to sonic materiality itself - raw vibrational data that could bypass the mediating structures of performance, notation, and cultural interpretation. And rhythm - predating all recording technology - is the fundamental temporal articulation of sonic energy: the pattern that entrains bodies, synchronises movement, and generates what we recognise as dance, that primordial response to organised vibration.

What is rhythm but sound’s temporal unfolding made palpable, its capacity to structure time experientially rather than abstractly? What is dance but the body’s direct translation of vibrational frequency into kinetic reality?

From ancient gatherings to the warehouses and fields of rave culture, rhythm has organised collective bodies into states of consciousness that operate beyond linguistic capture - ecstatic, communal, and sometimes politically charged states where meaning emerges through movement rather than discourse. In these contexts, rhythm becomes not merely a musical feature but an ontological condition - a way of organising time, perception, and collective being. The grinding textures of industrial beats, the algorithmic patterns of generative composition, the environmental drift of soundscape work, and the futuristic repetition of techno’s four-to-the-floor each suggest ways that sound can affect bodies, environments, and consciousness directly, while enabling or perhaps working on another plane with contingent, layered forms of signification.

The Criminal Justice Act’s targeting of “music characterised by the emission of a succession of repetitive beats” made explicit what dancers already knew: that collective rhythmic experience threatens established orders of control. Through phenomenological approaches to listening, sound studies’ critique of linguistic dominance in cultural theory, and dance studies’ attention to embodied knowledge, we will re-examine fundamental assumptions about musical meaning. We consider how electronic and experimental sound art foregrounds process, emergence, and sonic flux over fixed signification, and how rhythm and dance extend this into the realm of bodily practice and intuition.

This reveals what has been called sound’s “asignifying materiality” - its capacity for aesthetic and physical intervention beyond conventional discourse, even as it invites diverse modes of interpretation and generates forms of embodied knowledge that exist prior to or outside language. This direct encounter with sound’s material reality represents a profound challenge to the textual and discursive frameworks that have dominated critical theory, suggesting that vast domains of aesthetic and political experience operate according to logics that cannot be reduced to linguistic or representational models.

Participants will engage with various sonic practices that embrace this material and conceptual tension: from John Cage’s “silence” and La Monte Young’s sustained frequencies to Pauline Oliveros’ deep listening exercises, the “noise” of artists like Merzbow, early dance music and the hypnotic repetitions of techno producers from Detroit to Berlin. We will investigate and practise rhythm as temporal force - how minimal shifts in repetition can induce trance states, how polyrhythms create multiple simultaneous temporalities, how breaks and drops manipulate collective energy. Through hands-on workshops, participants will learn to approach sound not simply as a message to be decoded but as an event to be inhabited and shaped - exploring techniques of field recording, drone composition, rhythmic construction, and collaborative improvisation that prioritise sonic texture, temporal unfolding, and embodied response alongside the possibilities of nuanced meaning.

The seminar culminates in a collaborative exhibition and performance where participants present works that embrace ambiguity, vibration, rhythm, and sound’s event-like nature. Rather than asking only what these pieces “mean,” we will explore how they unfold in time, transform the spaces they inhabit, organise or disorganise bodies, and challenge the boundaries between music, noise, environmental sound, and dance. This final act invites reflection on sound’s dual capacity to elude fixed meaning while generating profound, multifaceted experiences - both contemplative and kinetic, individual and collective - expanding our understanding of what music, listening, and moving can become when freed from the obligation to signify exclusively. In doing so, we confront nothing less than the possibility that sound and rhythm offer a fundamentally different mode of engaging with reality itself - one that may require us to rethink the very foundations of how we understand aesthetic experience, embodied knowledge, political assembly, cultural analysis, and the relationship between matter and meaning.

Robert Logan is an Emmy Award nominated composer, musician and producer. He has created multiple critically acclaimed solo albums, with the BBC calling him “a prodigy...showing a maturity and a musical/textural understanding that many simply never find” in their review of debut album Cognessence. His last full-length, 'Flesh' was described as “a musical object so radical and daring it seems not to belong to this time.” His film credits include, with Ivor Guest, music for Alex Gibney’s Oscar winning Taxi to the Dark Side, the Oscar-nominated Semper Fi: Always Faithful and multiple Prime Time Emmy Award winning Mea Maxima Culpa: Silence in the House of God, among many others. He has collaborated musically with Grace Jones, Brian Eno, Ivor Guest, Steve Roach, Brigitte Fontaine, Morcheeba and Andy Knight. His live work includes performances at The Royal Festival Hall, The Royal Albert Hall, and Glastonbury. Alongside composition and sound design work for film, media, installations and apps, he is also regularly called upon as a synthesist and pianist in a wide variety of contexts and musical styles.

Anmeldung: bis zum 5. Januar bei Frau Günthner  (begrenzte Teilnehmerzahl)